Was ich bei Gegenlichtaufnahmen beachte (Landschaften & Wildlife)

Auch in diesem Jahr ist der Hochsommer fotografisch gesehen wieder mal nicht meine Jahreszeit 😊 Bis es in knapp 2 Wochen endlich wieder auf Reisen geht, nutze ich die Zeit für ein paar Themen, auf die ich ohnehin mal in meinem Blog eingehen wollte.

Heute geht es um Gegenlichtperspektiven, die ich in den letzten Jahren – wenn irgendwie machbar- bevorzugt aufsuche. Schon die Planung im Vorfeld spielt dabei eine große Rolle. Auch der AF spielt im Gegenlicht schonmal verrückt und auch einige andere Punkte sind nicht leicht zu händeln.

Allerdings werde ich heute vor allem den Fokus auf die richtige Belichtung setzen und dabei auf Themen eingehen, die während der Fotosesssion in diesem Zusammenhang wichtig sind. Dieser Artikel richtet sich an Ein- und Aufsteiger der beiden Genre und hat keinen Anspruch darauf, alle Aspekte des Themas aufzugreifen. Ich möchte einfach ein paar Gedanken zu den typischen Herausforderungen aufgreifen, da mir entsprechende Fragen regelmäßig in meinen Coachings gestellt werden. 

1. Landschaftsfotografie

Ein typisches Problem in der Landschaftsfotografie ist ja ein hoher Dynamikumfang, also der Helligkeitsunterschied zwischen den dunklen Stellen („Tiefen“) eines Bildes und den hellen Anteilen („Lichter“), wenn man ins Gegenlicht fotografiert. Ich werde das im Artikel auch manchmal „Spreizung“ nennen.

Gerade bei Seascapes würde ich trotzdem immer empfehlen in Richtung Sonne zu fotografieren, da ich schon den ein oder anderen frustrierenden Moment hatte, wenn ich mit der Sonne im Rücken fotografiert habe. Auch wenn sich der Himmel grundsätzlich natürlich in jede Richtung färben kann.

Die Wahrscheinlichkeiten sind jedoch sehr unterschiedlich. Mit dem Sonnenauf- oder Untergang im Rücken passiert es einfach häufig, dass sich (ab Horizont betrachtet) 100° des gesamten Himmels hinter mir in spektakulärer Weise färbt - aber nicht die 60° vor mir, die ich gerade für meine Bildkomposition Richtung Meer brauche. Das ist auch ein Grund, warum ich gerne z.B. im Winter an der Algarve fotografiere – morgens kann man an der Südküste Richtung Südosten fotografieren, nachmittags an der Westalgarve Richtung Sonnenuntergang.

Als Beispiel habe ich euch eine Aufnahme heraus gesucht, die ich noch gar nicht im Blog gezeigt habe – gleichzeitig ist sie eine meiner Lieblingsaufnahmen aus diesem Jahr. Für ein solches Licht benötige ich erstens Gegenlicht und zweitens die Färbung recht nah über dem Horizont. Hier waren nur ca. 40° des Himmels über dem Horizont orange/magenta gefärbt.

Daher sind auch Spots toll, wo man in fast alle Himmelsrichtungen fotografieren kann – das ist aber an den meisten Küstenabschnitten Westeuropas nicht möglich. Doch zurück zur Belichtung.

Ich nutze zuerst einmal einen Grau-Verlaufsfilter, um die o.g. Spreizung etwas zu reduzieren. Technisch betrachtet braucht man diesen nicht, wenn man später ohnehin ein HDR zusammensetzt. Allerdings komme ich gerne vor Ort auf dem Display meinem späteren Bild so nah wie möglich. An dieser Stelle gibt es keinen Deep-Dive in die Filter-Thematik, sondern ich kürze das Thema ab: für Seascapes und die meisten Landschafts-Szenen nehme ich zu 90% einen 0,9 soft Grauverlauffilter („GND“).

Das reicht aber noch nicht. Denn mit dem gleichen Grad der Bearbeitung wie beim oberen Bild sähe das Bild mit dem Filter erstmal ungefähr so aus:

Die Spreizung ist hier immer noch zu stark. In dieser Variante vermisse ich dadurch die schönen und vor Ort mit dem menschlichen Auge klar zu erkennenden lila Farben der Wasserpflanzen.

Natürlich könnte ich dies als Einzelbild noch stärker bearbeiten, sodass es am Ende ähnlich aussehen würde, wie die obere Variante, die ein zusammengesetztes HDR ist. Hier sind jedoch die Tiefen schon deutlich aufgehellt und alles weitere ginge zu Lasten der Bildqualität an vielen Stellen (Rauschen/Details/Farben…), gerade wenn man das Bild später mal größer drucken möchte.

Daher nutze ich für solche Situationen mittlerweile deutlich häufiger die Bracketing-Funktion meiner Kamera und setze später mehrere Bilder per Lightroom als HDR zusammen. Vor allem der Himmel ist dann im Ergebnis häufig harmonischer.

Da ich fast nie bei starkem/weißlichem Gegenlicht fotografiere, brauche ich beim Bracketing keine große Spreizung und auch nicht viele Bilder. Ich nehme in 90% der Situationen folgende Einstellungen: Anzahl der Bilder 3 oder 5 und Spreizung der Belichtung: 0,7 oder 1,0.

Egal, ob ich dann 3 oder 5 Bilder produziere – ich schaue mir später am Rechner an, wieviel Bilder ich für das HDR wirklich brauche. Für die vorliegende Szene habe ich meine Standard-Einstellung genutzt, 3 Bilder mit 0,7 Spreizung. In Lightroom habe ich nur das dunkelste und hellste zusammengesetzt, also -0,7 und +0,7.

So fotografiere ich meist auch andere Naturdetail-Szenen (Pflanzen & Farbenformen). Also mit Bracketing, da mir nach meiner Erfahrung immer wieder mal zu einem späteren Zeitpunkt eine hellere oder dunklere Belichtung besser gefällt. In diesen Genre meist nur je 3 Aufnahmen und 0,7 Spreizung. Hier geht es also um die beste Einzelaufnahme und gar nicht darum, einen hohen Dynamikumfang in den Griff zu bekommen.

Insgesamt ist das kein Hexenwerk und eine schnell zu lernende Vorgehensweise. Anders als beim folgenden Kapitel.

2. In der Wildlife-Fotografie

Bei dieser Art der Fotografie ist das Vorgehen in meinen Augen deutlich schwerer. Statt einer bestimmten Belichtungstechnik muss ich die Dinge viel stärker vor Ort perspektivisch lösen und das bedarf auch einfach Erfahrung – je mehr desto besser.

Das liegt zum einen daran, dass ich bei diesen Motiven schonmal keine HDR-Technik anwende. Schließlich arbeite ich dann mit einer hohen Serienfrequenz, um den „perfekten Moment“ einzufangen, da die Motive meist nicht statisch sind. Bedeutet, dass ich per Einzelaufnahme nicht derart große Helligkeits-Unterschiede einfangen kann wie in der Landschaftsfotografie.

Hinzu kommt, dass ich i.d.R. höhere Iso-Werte nehme. Da mich persönlich oft extrem weiches Licht und schöne Färbungen bei Sonnenauf-und Untergang interessieren, lande ich fast immer bei > Iso 1000. Vor allem zwischen Iso 2000 und 6400.

Trotz mittlerweile ganz toller Entrauschungs-Tools (LR, DxO, Topaz…) kann man aus solchen Aufnahmen in der späteren Bearbeitung auch nicht so viel „rausholen“ wie z.B. aus einer Landschafts-Langzeitbelichtung auf Iso 64. Und doch geht es vielen fortgeschrittenen Wildlife-Fotografen wie den Landschaftsfotografen: ich möchte trotz Gegenlichtsituation möglichst noch Zeichnung auf meinem Hauptmotiv, so wie hier zum Beispiel:

Das ist aber nicht leicht herzustellen. Schnell passiert es, dass entweder die Motive (Tiere) schwarz sind und nur noch als Silhouette erkennbar sind oder sich -zum Beispiel bei Meeresreflektionen oder der Sonne- weißliche (technisch ausgebrannte oder ausgebrannt wirkende) Stellen im Bild zu sehen sind. Letzteres ist für mich ein klares Ausschlusskriterium.Mit den Silhouetten wiederum ist es so, dass sie in seltenen Fällen passen können. In den meisten Situationen sieht aber eine schöne Zeichnung auf dem Tier harmonischer aus, wie im Beispielbild oben. 

Um ein "Absaufen" oder "Ausbrennen" zu vermeiden, wende ich im Wesentlichen 3 Stellhebel an, und zwar in dieser Reihenfolge:

1. Die Perspektivwahl vom genauen Zeitpunkt abhängig machen
2. Kleinste Bereiche zur Auswahl der Hintergrundfarbe nutzen
3. Position und Aufnahmewinkel präzisieren, wenn die Sonne im Frame ist

Das möchte ich etwas genauer erklären, am Beispiel der Fotografie einer Papageitaucherkolonie:

1. Zeit und Perspektivwahl:

Solange direktes Licht auf diese Motive fällt (speziell bei Vögeln mit weißem Brustgefieder; bei Säugetieren z.B. wäre das etwas anders) und ich die Sonne im Rücken habe, drücke ich so gut wie gar nicht mehr auf den Auslöser. Selbst 20-60 min vor Sonnenuntergang im (noch nicht besten aber durchaus schönen) Abendlicht. Das liegt nicht an der Ausleuchtung des Vogels, sondern vor allem an der Färbung des Hintergrundes. Solche weichen und ungewöhnlichen Farbtöne bekomme ich ansonsten nicht kreiert:

Im Prinzip überbelichte ich ja hier den Hintergrund – und das geht nicht, wenn der (teilweise weiße) Vogel ohnehin schon gut ausgeleuchtet ist, dann würde er am Brustgefieder „ausbrennen“.

Sowohl Farbton als auch die Helligkeit bekomme ich sonst also nicht dargestellt. Genau deshalb fotografiere ich zu solchen Zeiten fast nur abgeschattet oder im Gegenlicht. Ich nutze also durchaus diese Zeit (20-60 min vor SU) und gehe direkt bewusst ins Gegenlicht. Gerade mit dem Ziel, dass Flügel durchleuchtet sind, braucht man ohnehin noch eine gewisse Intensität der Sonne. Im folgenden Beispiel habe ich genau das getan, es war so eine Mischung aus Streif- und Gegenlicht:

Was das für die Praxis bedeutet: Wenn ich also einen Vogelfelsen betrete (gilt eigentlich grundsätzlich bei meiner Vogelfotografie), fange ich nicht einfach dort an zu fotografieren, wo "Offensichtliches passiert" (sich Tiere möglichst interessant verhalten oder sehr nah kommen oder gerade im schönen Blumen-Bokeh stehen etc), sondern: ich schaue mir erstmal die möglichen Perspektiven an, wähle dann nach den Lichtverhältnissen aus, wo ich zur jetzigen Zeit ungefähr stehen sollte und in welche Richtung ich fotografieren sollte. Für einen ausgesuchten Aufnahmewinkel und einen bestimmten Hintergrund suche ich jetzt also ein geeignetes Motiv (Vogel) oder eine passende Einflugschneise. Gerade bei einer großen Vogelkolonie wird man hier durchaus fündig 😉

2.Auswahl des Hintergrundes: 

Oftmals ergeben sich bei langen Telebrennweiten > 400mm enorme Unterschiede in der Helligkeit und Farbe des Himmels, bei auch nur leichtester Veränderung der Aufnahmeposition oder des Bildwinkels. Nehmen wir diese Aufnahme als Beispiel:

Gerade im Gegenlicht ist total entscheidend, ob ich vielleicht nochmal wenige Zentimeter weiter nach rechts, links, oben, unten meinen Standpunkt und vor allem den Bildwinkel verändere.

In diesem Beispiel-Bild hatte man eine komplett andere Färbung bei Bewegung der Linse um nur 1-2 Zentimeter, da der lila/blaue Farbton nur an einer sehr kleinen Stelle der Landschaft auftrat - vor einem abgeschatteten, viele Kilometer entfernten Bergrücken. Da der Vogel sich nicht bewegte, musste ich also exakte eine Linie zwischen dem Punkt in der Landschaft und dem Papageitaucher bilden und mich selbst solange bewegen, bis es passte.

Hinzu kommt: gerade wenn ich bei Tieren eine Durchleuchtung bzw. einen solchen Saum zeigen möchte, benötige ich einen dunkleren Hintergrund. Ich suche also oftmals im ersten Schritt (mit defokussiertem Objektiv) ob ich eine interessante/gewünschte Hintergrundfarbe entdecke und versuche dann, ob ich irgendwie in die geeignete „Linie“ komme, um dann eine solche Szene zu erzeugen.

3. Aufnahmewinkel direkt Richtung Sonne

Bei diesem Punkt geht es darum, der Sonne perspektivisch sehr nah zu kommen oder sie sogar im Frame zu haben. Damit sind auch wieder neue Herausforderungen verbunden.

Hier entstehen je nach Linse auch mal unschöne Artefakte, Flares etc. Einige dieser Effekte können dabei auch künstlerisch eingesetzt werden - ich gehe aber für diesen Artikel den Fall durch, dass man die Szene einigermaßen klassisch, wie auf dem nachfolgenden Beispiel zu sehen, umsetzen möchte:

Für diese Bilder, direkt Richtung der untergehenden Sonne, sind erstmal die genauen Bedingungen relevant. Eine solche Aufnahme, genauer gesagt Ausleuchtung, ist nicht bei jeder untergehenden Sonne möglich, sei der Himmel noch so schön. Schnell kommt es zu einer weißlich Darstellung der Sonne, gerade wenn die Sonne noch zu einem Sonnenball geformt ist.

In Verbindung mit dem Meer kann es sogar in manchen Fälle zu einer Art „weißem Strich“ durch die Meeres-Spiegelung der noch zu hellen Sonne kommen. Das kann ziemlich unschön aussehen. Den Effekt gibt es auch in der Landschaftsfotografie.

Nehmen wir aber an, das Licht ist nun für eine solche Aufnahme weich genug. Auch hier, im ganz spitzen Winkel zur Sonne, entscheiden leichteste Veränderungen des Aufnahmewinkels über Farbe, Ausleuchtung, Flares und Farbverläufe im Bild. Mit ganz leicht meine ich wirklich im Millimeter-Bereich.

Dann lohnt es also wieder sehr, den genauen Standort zu versetzen und den Aufnahmewinkel minimal zu verändern. Ähnlich wie bei Punkt 2 kann eine solche Veränderung auch über die Homogenität der Belichtung entscheiden, praktisch über den Dynamikumfang. Oder nochmal anders formuliert: das entscheidet darüber, ob ich noch Zeichnung im Gefieder habe und die tolle Kopfform des Vogels erkenne.

Am Beispiel dieses Bildes: gehe ich wenige Zentimeter höher, wird der Vogel (leider auch der unschöne Felsen) wesentlich heller aber die Färbung des Himmels wird deutlich weniger intensiv. Gehe ich weniger Zentimeter nach unten (Papageitaucher an gleicher Stelle im Frame), dann nimmt die Färbung noch weiter zu, allerdings wird der Vogel immer dunkler.

Das ist einfach Detailarbeit und sollte einem bewusst sein. Deshalb ist bei solchen Aufnahmen der Ausschuss oftmals sehr hoch, gerade wenn man freihand mit viel Brennweite > 600mm fotografiert. Denn alleine das minimale Wackeln der Hand führt schon zu ständigen Unterschieden in der Belichtung. 

Und das waren auch schon meine heutigen Gedanken zum Thema 😊 Ich hoffe ein paar interessante Einblicke waren dabei.

Für uns geht es in knapp 2 Wochen nach Madeira, wo wir den zweiten Teil unserer diesjährigen Elternzeit verbringen. Ich bin gespannt, was ich euch von dort mitbringen kann. Mehr dazu demnächst in meinem Blog 😀😉

Viele Grüße,

Thomas